Yellow Submarine, 1967

Fechas de Grabación: 13 Enero 1967 - 11 Febrero 1968 (canciones nuevas)

Fecha de Lanzamiento: 13 Enero 1969

Si en 1967 los Beatles habían conseguido algo, era un control total sobre su carrera. El éxito mundial, una dominación total del puesto número 1 en las listas y las tremendas ventas finalmente les permitían hacer lo que ellos querían y nada más. Bueno, al menos eso era lo que ellos pensaban. Por fin habían dejado de dar conciertos, y cada Beatle buscaba por separado una manera de satisfacer sus inquietudes artísticas. Sin embargo Brian pronto les recordó que aun les restaba una última película por hacer. El contrato firmado en los primeros tiempos de la Beatlemanía (ver A Hard Day's Night and Help!) era de tres películas, y aunque les había parecido un acuerdo increible en aquel entonces, ahora no era más que una carga para los Beatles.

Así que cuando se les presentó a los Beatles la posibilidad de crear un largometraje de animación, mostraron poco interés. Afortunadamente, no tenían que participar en el rodaje de la película. Pero el contrato con la United Artists no solo era de 3 películas, sino por las correspondientes bandas sonoras también. Y mientras que las bandas sonoras de A Hard Day's Night and Help! fueron usadas por los Beatles para lanzar excelentes LP's, la necesidad de completar otro álbum más para Yellow Submarine no les emocionaba. Finalmente se escogió la solución más fácil. Canciones grabadas con anterioridad pero no lanzadas formarían la cara A del disco. La cara B estaba enteramente dedicada a la partitura de George Martin para la película. El resultado fue el LP más flojo con diferencia en la carrera de los Beatles, con atn solo 4 canciones nuevas (Yellow Submarine y all You Need Is Love también se incluían). Aunque normalmente se hace referencia a ellas como "deshechos" en algunos libros, ninguna canción de los Beatles puede llamarse así (como los Anthologies ya han probado), las cuatro nuevas canciones son suficientemente interesantes para cualquier fan de los Beatles.

Incluso llegando más lejos, y de nuevo, George Martin encontró en este LP la oportunidad de presentar al mundo con otra muestra de su talento. La partitura orquestal de la película es simplemente magnífica. Desde las variaciones de Yellow Submarine a la increíble March of the Meanies, la música era simplemente perfecta para la película. Una película en la que los Beatles tuvieron poco o casi nada que ver. Es cierto que mientras el guión evolucionaba, Paul y John sugirieron alguna idea, pero no era un proyecto propio como Magical Mistery Tour lo había sido. Sin embargo los guionistas capturaron la atmósfera psicodélica Beatle del momento. Incluso la animación destaca por su diseño peculiar. La película tuvo gran éxito en USA. En Inglaterra tras un estreno mundial en el London Pavillion, los responsables de la distribución pensaron que la taquila no había ido lo bien que debiera, y no la programaron para un estreno a nivel nacional.

Si aun no habéis visto la película, sinceramente os recomiendo que consigáis una copia sonde sea (chequead con los distribuidores de Beatlemanía habituales). Aunque los Beatles no tuvieran mucho que ver con la misma (ni siquieran doblaron a sus propios personajes) es una película a ver. En cuanto al disco, ¿debéis comprarlo? Bueno, hay un test muy fácil para comprobar si sois la clase de persona que debe tenerlo. Sacad todos vuestros discos de los Beatles, y contadlos. Si tenéis 12 discos originales (sin incluir las recopilaciones) entonces debéis comprarlo. Es por supuesto el último que debe llegar a vuestra colección Beatle, pero eso no quita que deba estar ahí.

CANCIONES

Yellow Submarine
McCartney
John:Guitarra Acústica y Voces
Paul:Guitarra Acústica y Voces
George:Pandereta y Voces
Ringo:Batería y Voz
Brian Jones, Marianne Faithfull, Pattie Harrison, George Martin, Neill Aspinall, Geoff Emerick y The Beatles: Coros
Músicos de Estudio:Sección de Viento
Crítica de Revolver.

Tan sólo los Beatles eran capaces de escribir una canción como Yellow Submarine y salirse con la suya, no tan solo como una canción pegadiza, sino como single e incluso ¡una película! La verdad es que Ringo aún no tenía su canción, y la idea de una canción sobre submarinos le vino a Paul una noche. Más tarde Paul recordaba que una especie de azucar glassé que hay en Grecia y que se suele sumergir en agua, era llamado submarino. Donovan ayudó a Paul con la frase "Skies of Blue and Seas of Green..." y Lennon también ayudó. La canción finalizó en una sesión loca en la que se grabaron los efectos y todo el mundo se unió al estribillo (¡incluso George Martin!)

En un principio la canción comenzaba con un trozo hablado por Ringo, trozo que ahora puede ser escuchado gracias al single de Real Love. No deja de ser curioso que la versión para España en castellano de Yellow Submarine, Submarino Amarillo por Los Mustang, es el himno del equipo de fútbol de mi pueblo, el Villarreal C.F. ya que juegan con camiseta amarilla. El equipo logró el ascenso a la Primera División del fútbol español el 24 de Mayo de 1998 . Otra prueba más de la repercusión de la música de los Beatles en la sociedad moderna.

Only a Norhern Song
Harrison
Título de Trabajo: Not Known
John: Piano
Paul: Bajo
George: Organo y Voz
Ringo: Batería

Only a Northern Song, la canción que da título a esta sección, era una composición de Harrison para el Sgt. Pepper's, pero finalmente se decidió que podría rellenar 3 minutos en la banda sonora de Yellow Submarine. Sin embargo la canción es una de las más melódicas dentro de las experimentales de los Beatles. Aunque se oyen instrumentos disonantes a lo largo de toda la canción, tocados por los cuatro Beatles, la canción no solo tiene melodía, sino que transmite el mensaje que pretende a la perfección.
Tal y como solía ser habitual con las canciones de George, el título no estaba claro en la primera sesión de grabación, así que se marcó como "Not Known". Esta canción ha sido frecuentemente fechada en 1968, con George componiendo una última canción para Yellow Submarine con la London Simphony Orchestra esperando a que la acabara. Nada más lejos de la realidad, como Lewisohn demuestra. La canción fue grabada en 1967. Harrison de hecho lo que reclamaba era un mayor papel de sus composiciones en los discos de los Beatles. Sentía que su cuota de canciones, era precisamente eso, algo concedido con independencia de que la canción estuviera desafinada ("...realmente no importan los acordes que toque, las palabras que diga o la hora o el día que sea..."). Harrison, también era contractualmente un empleado de Northern Songs Ltd., la compañía que tenía los derechos de las canciones de los Beatles en ese momento (y de la que Lennon y McCartney poseían el 30%) por lo que no participaba de los derechos de publicación de sus canciones.

All Together Now
McCartney
John:Banjo y Voces
Paul:Guitarra Acústica, Bajo y Voz
George:Armónica y Voces
Ringo:Batería y Voces

All Together Now era una canción simple, escrita por Paul en el estudio, muy en el estilo de Yellow Submarine. Parece bastante obvio que el objetivo era hacer una canción para que la cantara todo el mundo cuando estuviera de fiesta. La canción se grabó en 6 horas de principio a fin. Todo el mundo participó en el estribillo y varios instrumentos se añadieron junto con las palmas. La canción, escrita de manera específica para la banda sonora, aparece al final de la película, en el único instante en que los cuatro Beatles aparecen en persona. John se sintió especialmente halagado cuando supo que los hinchas ingleses cantaban la canción en los partidos de fútbol.

Hey Bulldog
Lennon
John: Piano, Guitarra Solista y Voz
Paul: Bajo y Voces
George: Guitarra Solista y Pandereta
Ringo: Batería

Una de mis canciones favoritas de los Beatles se hallaba escondida hasta que la descubrí en Yellow Submarine. Hey Buldog es una canción sorpresa para aquellos que leen críticas como esta y que califican las canciones de este álbum como "deshechos". De hecho fue John el que se refirió a "Hey Bulldog" como un relleno de álbum, lo que no nos impide a muchos amar de manera absoluta alguna de estas canciones.

El domingo 11 de Febrero de 1968, los Beatles ya habían acabado la increible Lady Madonna, y pretendían pasar el día en el estudio mientras les grababan, para producir metraje que consistiría en el vídeo de Lady Madonna. Sin embargo, una vez allí, decidieron grabar algo. Y fue John el que enseñó la letra inacabada de Hey Bulldog, y esbozó la melodía para los otros. Las órdenes a George Martin fueron "Dinoslo cuando cuando consigamos una buena"... ¡y vaya si la consiguieron! El bajo de Paul es absolutamente soberbio, el solo de guitarra es candente y las voces son simplemente Beatles.

La canción no iba a llamarse en principio "Hey Bulldog", pero en la improvisación en la que los Beatles solían acabar las canciones que terminaban con el volumen fundiéndose, Paul empezó a ladrar, y se decidió incluir la frase "Hey Bulldog". Para aquellos de vosotros especialmente interesados en el bajo de Paul, os recomiendo que os fijéis especialmente en las notas del bajo al final de la canción... así como un pequeño corte en la cinta master 1 segundo antes del final de la canción. La secuencia del "Hey Bulldog" se cortó en la copia americana de la película, aunque se rumorea que se incluirá en el futuro lanzamiento en video de Yellow Submarine (aun no hay fechas, lo siento).


It's All Too Much
Título de Trabajo: Too Much
Harrison
John:Guitarra solista y voces
Paul: Bajo y voces
George: Guitarra Solista, Organo y Voz
Ringo Starr: Drums Músicos de Estudio: Cuatro Trompetas, Un Clarinete.

It's All Too Much también se grabó especificamente para Yellow Submarine, y George la describió como "grabada de manera infantil a partir de realizaciones que aparecieron durante y tras algunas experiencias con el LSD que posteriormente confirmó la meditación". La canción es un tema bastante caótico. De hecho está editada de una toma más larga (más de 8 minutos) y es parte improvisación, parte canción pre-establecida. De hecho parece una auténtica pesadilla par Ringo, y el ritmo se pierde un par de veces por culpa de los cortes en la edición. Al final de la canción, George canta una frase de la canción "Sorrow", un éxito de los Mersey (amigos de los Beatles) y el acompañamiento de "Too Much" de John y Paul se transforma primero en "tuba" y luego "Cuba". Por último datos cuenta de la frase en la que George dice al final "we are all dead" (estamos todos muertos) ...quizá no solo fue Paul el reemplazado, ¡sino los 4 Beatles!

All You Need Is Love
Lennon
John: Clavicordio, Banjo y Voz
Paul: Contrabajo, Bajo y Voces
George: Violin, Guitarra Solista y Voces
Ringo:Batería
George Martin: Piano
Mick Jaegger, Keith Richard, Marianne Faithful, Keith Moon, Eric Clapton, Pattie Harrison, Jane Asher, Mike McCartney, Graham Nash y wife, Gary Leeds y Hunter Davies: Voces
4 violines, 2 Violonchelos, 2 saxofones, 2 trombones, 1 acordeón, 2 trompetas (ver las Recording Sessions de Lewisohn para más detalles)
Crítica del Magical Mistery Tour

Tenía que ser de esa manera. La BBC afrontaba la retransmisión de Nuestro Mundo, el primer enlace mundial de televisión, con 26 países participantes, y tenía que presentar un número. La elección evidente era los Beatles. Cualquier otro grupo hubiera estado preparando el evento durante meses, sin embargo John compuso la canción poco antes de que hubiera que grabarla. Tan solo 10 días antes de la retransmisión (25 de Junio de 1967) los Beatles empezaron a grabar la pista básica de la canción. El resto debía de tocarse en directo en frente de las camaras en el estudio Uno de Abbey Road, de tal manera que pareciese que los Beatles estaban grabando una nueva canción y eran sorprendidos por las cámaras.

Los Beatles se vistieron de la manera más colorida posible para difundir el mensaje de amor al mundo. La voz, el bajo de Paul, el solo de George y la batería de Ringo fueron grabados en directo junto con la orquesta de 13 músicos. Todo fue directamente a la 4 pistas junto con el resto de pistas grabadas con anterioridad. Geoff Emerick y George Martin debían de mezclarlo EN DIRECTO para retransmitirlo a todo el mundo. El mensaje debía ser simple para que el mundo lo entendiera, y Lennon nuevamente acertó plenamente. Fue él, el que produjo un himno para el verano del amor, con tan solo cuatro letras en mente: amor. Varios fragmentos de música conocidos fueron tocados por la orquesta durante la canción: La Marsellesa (himno francés), Greensleaves, She Loves You y In The Mood -En Forma-(Glenn Miller). La inclusión de esta última canción, que aun tenía Copyright forzó a EMI a firmar un acuerdo de royalties.

En el final de la canción participó todo el mundo, incluidos algunos de los amigos de los Beatles que cantaban que el amor era todo lo que necesitabamos. Una vez hubo terminado la transmisión, los Beatles permanecieron en el estudio para darle a la canción los últimos retoques. John regrabó parte de la voz, y Ringo añadió el redoble de tambor que da comienzo a la canción. En menos de dos semanas el single había salido (Baby You're a Rich Man en la cara B) y los Beatles habían vuelto a marcar un hito en la historia de la música.

Gracias al maestro Cabrera

Después de los Beatles, Lennon

Reportaje de Gerardo Sánchez que, en apenas 13 minutos, es capaz de hacer un repaso por la carrera musical de John Lennon (y por extensión por la de los Beatles) hasta su asesinato, el 8 de diciembre de 1980.

The White Album, 1968 (Disc 2)

Fechas de Grabación 30 de Mayo 1968 - 13 de Octubre 1968
Fecha de Lanzamiento: 25 de Noviembre 1968

Birthday
McCartney
John:Guitarra Solista y Voces
Paul:Piano y Voz
George: Bajo y Pandereta
Ringo: Batería
Mal Evans: Palmas
Yoko Ono y Pattie Harrison: Voces

Le 18 de Septiembre, Paul McCartney llegó pronto a los estudios de Abbey Road y empezó a trabajar en el punteo de Birthday. Cuando los otros llegaron la canción estaba casi acabada. Sin embargo, aunque empezaron a grabar enseguida, con aportaciones de todo el mundo, la sesión se interrumpió y las voces se dejaron sin grabar a las 8:30 de la tarde. A esa hora, fueron a ver en la BBC2 "The Girl Can't Help It", una película con música de Berry, Cochran, Gene Vinvent, Fats Domino y otros. Tras la película grabaron las voces con ayuda de Yoko y Pattie, que se encontraban presentes. La canción pudo haber sido compuesta para el 26 cumpleaños de Linda Eastman, que era a los 6 días de la grabación.

Yer Blues
Lennon
John:Guitarra solista y Voz
Paul: Bajo
George:Guitarra Solista
Ringo: Betería

Yer Blues fue compuesta por John como una parodia del blues británico que floreció al final de los sesenta. Algunos autores destacab que John puede que expresara en la canción el aislamiento en el que se sentía en la India. Con Brian muerto, su matrimonio sin futuro, Yoko lejos y los Beatles lentamente desvaneciéndose.
Es conveniente resaltar, tal y como lewisohn destaca, que Yer Blues es la mezcla de dos tomas diferentes. La edición se realizó directamente en el 4 pistas (sin reducirla a 2) y puede oirse tras el solo de guitarra de George exactamente a los 3'17'', donde Ringo entra de nuevo con un redoble. La voz de John se puede oir por detrás, y seguramente se coló por el micrófono de la batería.


Mother's Nature Son
McCartney
Paul:2 Guitarras Acústicas, Batería, Timbales y Voz
Músicos de Estudio: Viento

Una de las clases del Maharishi en India, sobre la unidad del hombre y la naturaleza, les llegó hondo tanto a John como a Paul, y ambos genios sacaron dos canciones extremadamente bellas. La de Paul, Mother Nature's Son, se encuentra entre sus mejores baladas acústicas, llegando al oyente de una manera especial la excelente guitarra y la melódica voz. Paul lo tocó todo, excepto los arreglos de viento. La batería se grabó desde fuera del estudio, en el pasillo, lo que le dio el sonido de "bongo" que puede oirse en la canción.
La canción de John era Child Of Nature. Incluso mejor que la de Paul (y si, eso es una opinión) John grabó una demo de la canción, pero nunca llegó a ser grabada por los Beatles. Debería pasar tres años en una estantería, hasta que pasó a formar parte del increible "Imagine".


Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey
Lennon
Título de Trabajo: Untitled, Come On Come On
John: Guitarra Solista, Maracas y Voz
Paul: Bajo y Voces
George:Guitarra Rítmica y Campana
Ringo Starr:Batería

Se piensa que esta canción nació a partir de un dibujo aparecido en prensa en el cual Yoko aparecía como un mono en el hombro de John mermándole su talento. La respuesta de Lennon fue este increible rock, que describió como "una frase buena que convertí en canción". Uno de los aspectos más increibles de la canción es el talento de George para convertir una campana de bombero (firebell) en un instrumento más (va en serio, escuchad el ritmo increible que tiene tocándola, ... ¡NO es tan fácil!). La canción se grabó a una velocidad inferior a la de reproducción, y por ello una toma de 3'07'' se transformó en 3'24''. Esto le da a las guitarras distorsionadas incluso una sensación más acelerada, convenientemente acentuada por la voz de John.

Sexy Sadie
Lennon
John:Guitarra Acústica, Guitarra Rítmica, Organo y Voz
Paul:Piano, Bajo y Voces
George: Guitarra Fuzz y Voces
Ringo: Batería

Maharishi, what have you done?
You made a fool of everyone,

Maharishi, you broke the rules,
you laid it down for all to see.

Maharishi, you little twat,
Who the fuck do you think you are?
Who the fuck do you think you are?
Oh you cunt

Maharishi, ¿Qué has hecho?
Le tomaste a todo el mundo el pelo,

Maharishi, rompiste las reglas,
Lo dejaste claro para que todos lo vieran.

Maharishi, pequeño cabrón,
¿Quién coño te crees que eres?
¿Quién coño te crees que eres?
Oh cabrón.

Es evidente que John no tenía la mejor de las impresiones sobre el Maharishi cuando se fue de la India. Todo empezó cuando se extendió el rumor de que el Maharishi se había aprovechado sexualmente de alguna de las chicas que estaban en el curso, contradiciendo sus propias reglas. Los Beatles empezaron a creer que tan solo iba a por su dinero, así que finalmente abandonaron Rishikesh.
John mostró la letra original a los otros mientras ensayaban en Abbery Road el 19 de Julio de 1968. Sin embargo decidió renombrar la canción Sexy Sadie para evitar enfados. Durante la grabación de la canción, Yoko que estaba presente en el estudio, se atrevió a sugerir a los Beatles que podían grabar la canción mejor. John trató de suavizar las cosas diciendo "es posible que yo pueda". Lo cierto es que las cosas estaban empeorando.


Helter Skelter
McCartney
John: Bajo, Guitarra Solista, Saxofón y Voces
Paul: Bajo, Guitarra Solista y Voz
George: Guitarra Rítmica y Voces
Ringo: Batería
Mal Evans: Trompeta

Helter Skelter se ha convertido en una de las grabaciones míticas de los Beatles a lo largo de los año. La canción, que es la más heavy de todas las realizadas por los Beatles, mantiene también el record por ser la grabación más larga nunca realizada por los Beatles. De hecho, hay una campaña para que Apple publique la versión de 27 minutos que los Beatles grabaron en plan jam session el 18 de Julio. Sin embargo, el problema es el mismo que hace 30 años. Más de 27 minutos llenarían más de un tercio de un CD (lo que lo dejó fuera del Anthology). En los días del Album Blanco, haberla incluido hubiera supuesto dejar una cara completa del LP solo para la canción, así que los Beatles volvieron a grabar la canción el 9 de Septiembre.
Helter Skelter es el nombre de un tobogán en espiral que se puede encontrar en las ferias británicas. Sin embargo Charles Manson supuestamente malinterpretó la canción y dijo que el Helter Skelter era el holocausto por venir. Las palabras fueron encontradas escritas en sangre en la escena de uno de los crímenes cometidos por Manson, quién mató entre otros a la mujer de Roman Polanski, la actriz Sharon Tate.

La canción es un ejemplo claro de que Paul no era siempre el "beatle de las baladas" de igual manera que Julia probó que Lennon no era siempre el beatle duro. El tema le vino a la cabeza tras leer una crítica a una canción de los Who. Dicha crítica hizo que Paul concibiera en su cabeza una idea de como debía sonar y decidió componer algo parecido. No tuvo oportunidad de escuchar el tema hasta después de haber hecho Helter Skelter, y después decubrió que no era lo que había previsto.


Long Long Long
Harrison
Título de Trabajo: It's Been a Long Long Long Time Paul: Bajo y Organo Hammond
George: 2 Guitarras Acústicas y Voz
Ringo: Batería
Chris Thomas: Piano

Steve Turner en "A Hard Day's Write" sugiere que George obtuvo los acordes de Long Long Long de una canción de Dylan. En concreto de "Sad Eyed Lady of the Lowlands" del álbum Bonde on Blonde. De cualquier modo, el tema es otro más del estilo místico de Harrison, con la voz doblada, y una atmósfera lejana. El sonido que puede oirse al final de la canción no es más que una botella de Blue Nun, vibrando encima de una altavoz Leslie. Accidentalmente la botella comenzó a vibrar cuando Paul pulsó una nota en el órgano, y los Beatles decidieron incluirla en la canción. John no participó en la grabación de Long Long Long.

Revolution 1
Lennon
Título de Trabajo: Revolution
John: Guitarra Solista, Guitarra Acústica y Voz
Paul: Bajo, Guitarra Acústica, Piano y Voces
George: Guitarra Rítmica y Voces
Ringo Starr: Batería
Derek Watkins, Freedy Clayton: Trompetas
Don Lang, Rex Morris, J. Power, Bill Povey: Trombones

Revolution 1, era una de las 3 revoluciones que los Beatles publicaron durante el periodo del Album Blanco. La primera en ser grabada fue esta Revolution 1 (una versión acústica del single posterior, con unas guitarras mucho más distorsionadas). John cantó en Revolution declarando su posición en el revolucionario mundo de 1968. Estaba de acuerdo con los cambios (IN) pero estaba en desacuerdo con la destrucción (OUT, aunque es cierto). La voz fue grabada por John, tumbado totalmente en el suelo con el micrófono colgando encima de su boca. Aunque originalmente la "mejor" toma duraba más de 10 minutos, se editó a la versión de 4 minutos publicada en el álbum.

Honey Pie
McCartney
John: Guitara Eléctrica
Paul: Piano, Guitarra Solista y Voz
George: Bajo
Ringo: Batería
7 Músicos de Estudio: Saxofones y Clarinetes

Otro ejemplo claro de la habilidad de Paul de crear tantos estilos diferentes como quería. Honey Pie, una canción estilo años 20, claramente influenciada por su padre, destaca junto con When I'm 64 y Your Mother Should Know en esta categoría. Totalmente delicioso es el acompañamiento de George Martin y la producción, que nos traslada a aquellos discos viejos con maravillosas orquestas tocando melodías maravillosas.
Desafortunadamente, una vez más Charle Manson pensó que la canción era un mensaje para el. Estaba claro que él vivía cerca de Los Angeles, e iba a mostrar su Hollywood song.


Savoy Truffle
Harrison
John: Guitarra Solista
Paul: Bajo
George: Guitarra Solista, Organo y Voz
Ringo: Batería y Pandereta
Músicos de Sesión: Viento

Eric Clapton tocó la guitarra en While My Guitar Gently Weps, pero además fue la inspiración para Savoy Truffle. Clapton era practicamente adicto al chocolate, y George decidió dedicarle una canción. La letra salió casi por completo de una caja de bombones de la marca Mackintosh llamada Good News. Savoy Truffle era el nombre de uno de los bombones, así como Cream Tangerine, Montelimart y Coffee Dessert.

Cry Baby Cry
Lennon
John: Guitarra Acústica, Piano, Organo y Voz
Paul: Bajo
George: Guitarra Solista
Ringo Starr: Batería y Pandereta
George Martin: Harmonio

John sacó la idea de esta canción de un anuncio de televisión: "Cry baby cry, make your mother buy" (llora niño llora, haz que tu madre compre). La canción fue terminada durante su estancia en la India y Donovan puede que tuviera algo de influencia en el asunto. Lo cierto es que John escribió una buena canción pero que carece de un estribillo acorde que la haga excepcional. John probablemente pasó cierto tiempo tratando de encontrarlo, pero no llegó a conseguirlo.

Revolution 9
Lennon
John: Mezcla en directo de unos 100 fragmentos de cinta y voces.
George: Voces

Esta "canción" es probablemente las más "evitada" en cualquier CD, cassete o LP de los Beatles. De su nuevo amor con Yoko, John también sacó la necesidad de mostrar sus ideas vanguardistas, creando piezas experimentales con Yoko. Lejos de limitar esta actividad a su estudio casero, John decidió grabar Revolution 9 como parte del Album Blanco.
El corte fue grabado de manera similar a las cintas de "Tomorrow Never Knows", con gente dandole vueltas a bucles de cintas con lápices por los 3 estudios de Abbey Road. John las mezcló en directo, y posteriormente añadió con George lineas bizarras como "the watusi", "the twist", "economically viable", "financial imbalance", etc...

Entender Revolution 9 no solo es impensable, sino que es una pérdida de tiempo, ya que no tiene interpretación posible. Sin embargo y gracias a la paciecia de Lewisohn, sabemos de donde han salido la mayoría de los sonidos (al menos los más audibles):

George Martin diciendo "Geoff, put the red light on" repetido y con mucho eco.
Un coro con violines al revés.
Extracto de la orquesta de "A Day In The Life"
Mellotron al revés (John)
Voz diciendo Numer Nine, de la fonoteca de Abbey Road.
Una vez más (y ya no nos sorprende) Manson se tomó la canción como un mensaje. En la canción, podemos oir a John y Yoko decir "right" -correcto- (sacado de Revolution), pero Manson lo interpretó como "rise" -levantarse-, una palabra que también apareció repetidamente en als escenas de los crímenes.


Goodnight
Lennon
Ringo: Voz
Orquesta de 26 músicos
Coro (4 chicas y 4 chicos)

Esta canción, casi sacada de una película de Walt Disney, fue una nana escrita por John a su hijo Julian. Musicalmente no es especialmente destacable, aunque los arreglos de Martin es una vez más mucho más que apropiado. 12 años después, John escribiría Beautiful Boy para su otro hijo Sean.

Gracias al maestro Cabrera

The White Album, 1968 (Disc 1)

Fechas de Grabación 30 de Mayo 1968 - 13 de Octubre 1968
Fecha de Lanzamiento: 25 de Noviembre 1968

Los Beatles habían conseguido en 1968 lo que cualquier músico de cualquier época siempre hubiera deseado. Tan solo 5 años después del lanzamiento de Please Please Me, eran considerados el mayor fenómeno Pop-Rock de todos los tiempos y tenían todo lo que pudieran desear. Tal vez la necesidad de vivir nuevas experiencias o de reencontrarse consigo mismos, les llevó a seguir un curso en meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi en Gales. el curso duró una semana, en el transcurso de la cual Brian Epstein fue encontrado muerto en su piso tras haber ingerido demasiadas pastillas para dormir. Todos estos factores se juntaron, y a principios de 1968, los Beatles viajaron a India para iniciarse en la meditación trascendental con el Maharishi.

Aunque no se quedaron en la India mucho tiempo (habiéndose dado cuenta que el Maharishi no era el tipo de persona que decía que era), lo cierto es que el aislamiento y la ausencia de preocupaciones y stress diario hicieron que John y Paul escribieran un buen número de canciones. De hecho entre los cuatro Beatles, 32 canciones fueron traidas de la India. La naturaleza acústica de muchas de ellas se reflejó en las sesiones de Esher y puede apreciarse en muchas de las canciones de la Anthology 3

Con todas estas canciones, los Beatles decidieron publicar un doble LP que ofreciera tanto calidad como cantidad. Había varias razones para esta decisión. Los talentos individuales de los cuatro Beatles encontraban la estructura del grupo demasiado restrictiva para sus propias ideas. Ninguno de ellos estaba dispuesto a descartar alguna de sus canciones en favor de la de otro. El Album Blanco se convirtió en un esfuerzo conjunto de cuatro indivíduos, cada uno reclamando tiempo en el disco para sus propias canciones. La cuota de canciones que había impuesto EMI en el nuevo contrato era otra razón más. Los Beatles querían completar el número de canciones necesarias tan pronto como fuera posible. Las canciones se convirtieron pronto en sesiones en solitario,y dichas sesiones se repartían por los estudios de Abbey Road, simultaneándose 2 y hasta 3 sesiones.

Con el Album Blanco, los Beatles trataron de sorprender de nuevo al público en general. La portada del Sgt. Pepper's había sido copiada en repetidas ocasiones desde su lanzamiento, pero decidieron que esta vez una portada totalmente blanca era lo más apropiada para su nuevo trabajo. El título también iba a ser lo más sencillo posible (normalmente suele ser el título del primer trabajo de un grupo) y en la portada del LP simplemente aparecía "The Beatles" troquelado en la portada blanca. Un número de serie era el resto de la letra impresa visible en la portada. Sin embargo, en el interior, se podía encontrar un poster, cuatro fotos en color y las letras de las canciones. El álbum, que originalmente iba a llamarse "A Doll's House", y que fue el primero en ser publicado por Apple, se convirtió en un gran éxito y vendió en E.E.U.U. 2 millones de copias en la primera semana. George Martin hubiera preferido tener menos canciones en un LP sencillo y magnífico. Muchos de nosotros agradecemos a los Beatles que no le dejara nsalirse con la suya. The Beatles puede que no sea el mejor álbum de los Beatles, (para muchos lo es), pero sin duda es el más cautivador de todos ellos. Misterioso y feliz, acústico y rockero, simple pero denso. El eterno Album Blanco.

CANCIONES

Back in the U.S.S.R.
McCartney
John: Bajo, Batería y Voces
Paul: Piano, Guitarra Solista, Bajo, Batería, Palmas y Voz
George:Bajo, Guitarra Solista, Batería, Palmas y Voces

La mejor prueba de la tensión entre los miembros del grupo, fue que Ringo se marchara de los Beatles durante 2 semanas. Ringo siempre se encontraba en medio, con John y Paul compitiendo de cerca, y George tratando de no quedarse atrás. El 22 de Agosto, Ringo se marchó, y ese mismo día en su ausencia los Beatles grabaron uno de sus mejores rocks. La batería de la pista básica fue tocada por Paul, aunque JOhn y George la completaron más tarde mientras Paul tocaba otros instrumentos.
La canción fue escrita por Paul, y la idea le vino mientras estaba en Rishikesh, India con Mike Love (Beach Boys). Paul pensó que sería divertido componer una versión de "Back in the USA" con la URSS. Mike Love le comentó como los Beach Boys habían usado esa canción de Chuck Berry, y "Sweet Little Sixteen" para escribir "California Girls" y "Surfin' USA" (de hecho la música en esta última canción se le atribuye a Berry, ya que es idéntica a "Sweet Little Sixteen"). Paul entonces tuvo la gran idea.... una canción que sonara a lo Beach Boys-Chuck Berry. El resultado fueron unas voces increibles por parte de George y John, en el más puro estilo Beach Boy (fijaros no tan solo en las voces agudas, sino tambien en los da-das que siguen al bajo). Palmas y unas notas de guitarra magníficas en la última estrofa, junto con la energética voz de Paul, proporcionan una de las canciones favoritas de todos los tiempos.


Dear Prudence
Lennon
John:Guitarra Acústica, Guitarra Solista, Pandereta y Voz
Paul: Bajo, Palmas, Voces y Batería
George:Guitarra Solista, Palmas, Voces y Pandereta
Mal Evans, John (el primo de Paul) y Jackie Lomax: Palmas

Prudence Farrow, la hermana de la actriz Mia Farrow se encontraba en la India con los cuatro Beatles asistiendo al mismo curso. Sin embargo, Prudence parecía tomarselo más seriamente que cualquiera de los otros y trataba de meditar más y mejor "tratando de alcanzar a Dios más rapidamente" como dijo John más tarde. La canción fue escrita en la India en un intento de los Beatles de hacerla salir de su bungalow donde meditaba todo el día.

Glass Onion
Lennon
John:Guitarra Acústica y Voz
Paul:Bajo, Piano y Flauta Dulce
George:Guitarra Solista
Ringo:Batería y Pandereta
Henry Datyner, Eric Bowie, Norman Lenderman y Ronald Thomas: Violines
Eldon Fox y Reginald Kilbey: Chelos
John Underwood y Keith Cummings: Violas

John intentó empezar a liar a la gente con el significado de las letras de sus canciones. Las canciones de los Beatles, siempre eran estudiadas de cerca para encontrar mensajes ocultos, alegorías y juegos de palabras, y Lennon estaba bastante cansado de esta situación. En Glass Onion trató de referirse al máximo número posible de canciones de los Beatles anteriores para intentar hacer lo más difícil posible la conexión entre ellas. El comentario de que Paul era la morsa (the walrus) consiguió sin duda el objetivo incremetando el mito de la muerte de McCartney.
Originalmente, la canción terminaba con varios efectos de sonido, tal y como se escucha en la Anthology 3, pero George Martin que estaba de vacaciones en el momento de la mezcla, escribió una partitura para cuerdas que daba fin a la canción.


Ob-La-Di Ob-La-Da
McCartney
John: Piano, Maracas y Voces
Paul: Bajo y Voz
George:Guitarra Acústica, Voces
Ringo: Batería
Músicos de Estudio: 3 saxofones

Probablemente la canción más divertida en The Beatles, Ob-La-Di resultó una canción complicada de grabar. escrita por Paul y originada en una frase del músico nigeriano Jimmy Scott, que tocaba la conga y cuyo significado era "la vida sigue" (life goes on), la canción era un intento de Paul McCartney de hacer reggae. De hecho se la considera como el primer intento blanco de escribir reggae. La grabación de la canción no fue sin embargo fácil, y se intentaron varias versiones. De especial interés es una de esas versiones, que aparece como una canción completa en la Anthology 3.
Uno de los momentos más curiosos de la canción es escuchar a John y George bromeando por el fondo. Así cuando Paul dice por primera vez "Desmond lets the children lend a hand" (Desmond les deja a los niños que echen una mano), John dice "arm" (brazo) y George dice "leg" (pierna). En la segunda ocasión George dice "foot" (pie). Tal vez la canción no consiguió de pleno la atmósfera reggae que McCartney pretendía. Sin embargo, es lo suficientemente luminosa con los "la-la-las" de fondo para alegrarle el día a cualquiera.


Wild Honey Pie
McCartney
Paul:Guitarras, Batería y Voces

Nacida como una canción de grupo en Rishikesh, Paul grabó Wild Honey Pie en tan solo una toma, superponiendo un bombo, varias guitarras acústicas voces. Es una canción bastante extraña que Paul recordaba como "parte de una instrumental de la que no estábamos muy seguros. Pero a Pattie Harrison le gustaba tanto que decidimos dejarla en el álbum".

The Continuing Story of Bungalow Bill
Lennon
John: Guitarra Acústica, Órgano y Voz
Paul: Bajo y Voces
George: Guitarra Acústica y Voces
Ringo: Batería, Pandereta y Voces
Yoko Ono y Maureen Starkey y otros: Voces
Chris Thomas: Melotrón

Bungalow Bill era en realidad Richard A. Cooke III, un joven recién graduado en la universidad en los EEUU que estaba visitando a su madre en Rishikesh. Nancy Cooke estaba en la India realizando el mismo curso que los Beatles, y un día se fueron los dos a cazar tigres. Richard de hecho cazó un tigre y casualmente se lo contó al Maharishi en presencia de John Lennon. Por supuesto, a John la historia no le gustó un pelo (el tiro fue disparado desde una plataforma de madera en un arbol) y la canción surgió. El nombre Bungalow Bill fue el resultado de juntar "Buffalo Bill" y los bungalows en los que vivían en la India. La grabación de la canción resultó bastante divertida, ya que casi todo el mundo que andaba por allí se unió al estribillo, tal y como se puede apreciar en la canción.

While My Guitar Gently Weeps
Harrison
John: Guitarra Solista y Voces
Paul: Bajo, Órgano, Piano y Voces
George: Guitarra Acústica, Órgano y Voz
Ringo: Batería y Percussion
Eric Clapton: Guitarra Solista

George sacó la idea de escribir "While My Guitar Gently Weeps" de un libro. De hecho, se encontraba leyendo el "I Ching" (libro chino de los cambios) y decidió escribir una canción con la primera frase que encontrara en un libro. La frase fue "gently weeps" (llora suavemente). La canción demuestra que George había crecido muchísimo como compositor. Desde la primera versión de demostración que puede ser escuchada en el Anthology 3, una magnífica versión acústica de la canción, el tema demostró ser casi mágico. Sin embargo fue dificil para Harrison repetir la magia con mas instrumentos. Por primera vez, los Beatles utilizaron en Abbey Road una grabadora de 8 pistas, y se realizaron varios intentos de grabar la canción.

Pero no era tan fácil tocar un guitarra para que llorara. Bueno, cualquier otro músico hubiera tenido una solución inmedita (un pedal de tono, wah-wah, o cry-baby -nombre comercial-). George sin embargo deseaba que la guitarra llorara, pero no como las guitarras de los 60 estaban llorando en todas partes, especialmente en las manos de Hendrix. Primero intentó grabar un solo al revés, pero la cosa no acabó de funcionar. El día siguiente, mientras Eric Clapton le llevaba en su coche desde Surrey a Londres, le sugirió a Eric que tal vez le gustara tocar un poco con los Beatles. Clapton no quiso "porque nadie toca con los Beatles". Sin embargo, George le convención finalmente, y una Gibson Les Paul llora durante toda la canción.
Eric Clapton no le dio demasiada importancia a esta sesión. Llegó, tocó un solo digno de un extraterrestre y se marchó. El solo, de cualquier modo, sonaba según la opinion de Clapton "demasiado Clapton". Chris Thomas fue el encargado de darle a la guitarra un efecto oscilante mediante un oscilador de ondas. Un trabajo duro, merecedor de una obra maestra.


Happiness is a Warm Gun
Lennon
John: Guitarra Solista, Pandereta y Voz
Paul: Bajo y Voces
George: Guitarra Solista y Voces
Ringo: Batería

John vio en la portada de una revista perteneciente a George Martin la frase "happiness is a Warm Gun In Your Hand" (la felicidad es un arma caliente en tu mano). Evidentemente una canción le siguió. Sin embargo no era una sola canción sino tres, lo que John incluyó en el tema. Las tres partes están descritas en la sección de la Anthology 3. Un hecho curioso es que, para completar algunas de las frases de la canción, John reunio a Derek Taylor, Neill Aspinall y Pete Shoton durante una noche en la que "viajaron· con ácido. De este peculiar "brain storming" nacieron algunas de las frases más extrañas de la canción.

Martha My Dear
McCartney
Paul: Bajo, Guitarra Solista, Piano, Palmas y Voz
14 Músicos de Estudio: Cuerdas y Viento

Aunque ni siquiera puede confirmarlo Lewishon, Martha My Dear puede que no fuera grabada en su totalidad por Paul, exceptuando la (una vez más) perfecta partitura escrita por George Martin. Aunque muchos afirman que Martha era la perra de Paul, lo cierto es que aunque puede que de ella sacara el nombre, esa fue toda la relación que tuvo el animal con la canción.

I'm So Tired
Lennon
John: Guitarra Acústica, Guitarra Solista, Órgano y Voz
Paul: Bajo y Voces
George: Guitarra Solista y Guitarra Rítmica
Ringo: Batería

John empezó a sentirse muy cansado en su estancia en la India. Meditar no es que requiriese mucho esfuerzo, pero sin duda conducía a noches de insomnio y como consecuencia, a días cansados. La Academia de Meditación no permitía la ingestión de drogas ni de alcohol, y John echaba de menos los cigarrillos y la bebida. Además también echaba de menos a Yoko (aunque con el se encontraba Cynthia, solo podía pensar ya en Yoko).
La canción fue grabada de principio a fin la misma noche que Bungalow Bill, siendo ambas muy rápidas de grabar. La frase que John murmura al final de la canción es "Monsieiur, monsieur, how about another one?, y nos lleva directamente a:


Blackbird
McCartney
Paul: Guitarra Acústica y Voz

Cuenta la leyenda que Paul sacó esta canción del canto de un mirlo (blackbird) real, después de que el pájaro le despertara. Lo único que hizo fue transcribir la música de los trinos del mirlo. La verdad es que con indiferencia de donde proviniese la música, Blackbird es en mi humilde opinión la mejor canción acústica que se haya escrito jamás. La canción se grabó tan solo con una guitarra acústica tocada de manera magistral por Paul, un metrónomo que marca el tiempo y Paul cantando con mirlos trinando al fondo, eso si, no en la oscuridad de la noche (blackbird singing in the dead of night) sino en el jardín trasero de Stuart Elham (donde había grabado los sonidos para EMI hacía 3 años).

Piggies
Harrison
Paul: Bajo
George: Guitarra Acústica y Voz
Ringo: Pandereta
Chris Thomas: Harpsichord
Músicos de Estudio (los mismos que en Glass Onion): Cuerdas

Piggies era otra canción de George con tema social. En una línea similar a Taxman, George utilizó la canción para expresar alguna de sus ideas, y los cerditos (piggies) eran aquellos que pertenecían a las clases medias. Los cuatro Beatles participaron en la sesión, aunque John tan solo se dedicó a juntar sonidos de cerdos en la sala de control. Especialmente destacable es el tono barroco de la canción con el clavicordio tocado por el productor de la sesión, Chris Thomas, y la sección de cuerdas. Es también interesante destacar la manera de Paul de tocar el bajo con la púa, que pretendía evocar de alguna manera a un cerdo gruñendo.

Rocky Raccoon
McCartney
John: Bajo, Armónica, Harmonio y Voces Paul: Guitarra Acústica y Voz
George: Voces
Ringo: Batería
George Martin: Piano

Rocky Raccoon es otro ejemplo de maravillosa canción acústica escrita por los Beatles durante el periodo en la India. De hecho Paul recordaba haber escrito la canción mientras que estaba "sentado en el tejado en casa del Maharishi". Primero sacó los acordes, para más tarde escribir la letra junto con John y Donovan (letra de lo que entonces se llamaba "Rocky Sasoon". Más tarde decidieron que Raccoon (mapache) era un mejor apellido para un vaquero que vivía en Dakota. Se dice que el doctor que apestaba a ginebra (stinking o sminking como en el Anthology), era un personaje real. Cuando Paul se rompió un diente y se cortó el labio, el doctor que le curó apestaba a ginebra, y es por eso que el labio de Paul tuvo una cicatriz voluminosa durante cierto tiempo (para agitación de los que creían que Paul había muerto, y que en ello vieron otra evidencia más de que había sido sustituido por un doble).

Don't Pass Me By
Starkey
Títulos de Trabajo: Ringo's Tune (Untitled), This Is Some Friendly
John: Guitarra Acústica
Paul: Piano, Bajo
Ringo: Cascabel, Batería y Voz
Jack Fallon: Violín

Aunque existen noticias de que Ringo había empezado la composición de su primera canción (al menos la primera que grabaran y publicaran los Beatles) incluso en 1963 (entonces se dijo que estaba a mitad) y la canción ya se llamaba "Don't Pass Me By". Durante las sesiones del álbum blanco, quizás buscando otro título, la canción tuvo dos títulos de trabajo. La canción tiene un marcado carácter de country, muy en la línea de los gustos de Ringo. Los toques finales a una melodía excelente fueron un cascabel y un violín tocado por un músico de estudio (y no por George como se ha escrito alguna vez).

Why Don't We Do It In The Road?
McCartney
Paul: Guitarra Acústica, Piano, Guitarra Solista, Palmas, Bajo y Voz
Ringo: Batería

Otra de las canciones que Paul grabó en solitario, o al menos casi. Lo cierto es que Ringo proporcionó la batería en Why Don't We Do It In The Road. La canción es uno de los temas más fuertes del LP. Sin embargo, tal y como se ha podido comprobar en la Anthology 3, Paul comenzó la grabación como una canción acústica y con una idea fija: Una estrofa cantada en voz alta y la siguiente mucho más suave. Se ha dicho que John se enfadó con Paul por culpa de esta canción porque la había grabado con la única ayuda de Ringo, y principalmente porque era un tema típico de Lennon (lo cierto es que la voz de Paul nunca se ha parecido tanto a la de John).

I Will
McCartney
John: Percusión
Paul: Guitarra Acústica y Voz
Ringo: Platos y Maracas

Otro de los ejemplos del increible talento de Paul para producir melodías míticas con tan solo una guitarra acústica. De hecho, I Will, una de mis canciones favoritas de los Beatles, es bastante simple en su producción. Tan solo dos guitarras acústicas tocadas por Paul, Maracas y Platos tocados por Ringo, y John golpeando un trozo de madera conforman todos los instrumentos que necesitaba I Will. Pero si hay algo que caracteriza esta canción es el bajo tocado por Paul. Es magnífico, increible, las notas conforman el perfecto contrapunto a la melodía.... el único problema es que no es un bajo, sino Paul haciendo "dum-dum" con la voz. I Will fue la primera canción que Paul le dedicó a Linda.

Julia
Lennon
John: Guitarra Acústica y Voz

Si Paul nos había mostrado hasta este momento cuan exquisito podía ser con una guitarra acústica, John iba a demostrar al final del primer disco que junto con sus temas de rock era capaz de escribir la canción más íntima, simple y bella dedicada a su madre. Julia Stanley, la madre de John nació en 1914 y tras casarse con Freddy Lennon, John nació. A la edad de 5 años, John se fue a vivir con su tía Mimi, y aunque estuvieron bastante distantes durante años, conforme John se fue convirtiendo en un adulto se fueron acercando más de nuevo. John solía ensayar en casa de su madre con los Quarry Men, y fue ella la que le enseñó a tocar el banjo y el piano. en 1958 Julia murió en un accidente, atropellada.
La canción no se refiere exlcusivamente a la madre de John. De hecho "ocean child" (niña del océano), se refiere a dicha frase en japonés: "Yoko Ono". Fue Yoko la que ayudó a John a terminar la letra de la canción. La técnica de guitarra de pulsar las cuerdas con los dedos que john utiliza en Julia, le fue enseñada por el cantante de Folk Donovan mientras estaban en Rishikesh.

Gracias al maestro Cabrera

I feel fine

Hacíais el ruido suficiente como para teneros miedo, aunque La Monumental no estaba llena, ¿recuerdas? De comisaría teníamos órdenes precisas: incomodar a los asistentes para que no os salierais de madre. Y allí estaba yo, con tricornio y un triste bigote de veinteañero que debía imponer respeto, poniendo cara de mala hostia entre el escenario y vosotros, vigilando que no os movierais demasiado. Pero daba igual. Algo diferente recorría el mundo en esa época y ni siquiera aquí pasó desapercibido. En esos años ya nos mirabais con cierta guasa. Y sobre todo tú, maldita, que no dejaste de retarme con la sonrisa mientras bailabas moviéndote como si acabaras de hacer el amor.

Era tarde para que mi sargento gritara: “Joder, Manolo, esa cara. Pareces imbécil. ¡Atento a ese lado!” Porque yo no salía del perfil de tu cuello. ¿Qué quieres? ¿Serían tus ojazos mirándome como no me miraría nadie después? ¿O serían los de Liverpool que tocaban detrás? El caso es que me volví loco, bien lo sabes. La cara de mis compañeros cuando en mitad de “I feel fine” me abalancé sobre ti para darte un beso tuvo luego su reflejo en las hostias que me dieron en calabozos. Al día siguiente me expulsaron de la guardia civil, siendo conveniente que me fuera al extranjero una buena temporada. Me alegro, porque aquel concierto y aquel beso me cambiaron la vida.

Y fue en Londres, una mañana de enero, cuatro años después de aquel primer beso, que paseando por Abbey Road te vi parada en mitad de la calle, mirando al cielo. Me di cuenta de que en la azotea sonaban Los Beatles cuando girabas la cara y nuestros ojos encajaban como piezas de un puzzle.

Paul cantaba “Don’t let me down” mientras te besaba por segunda vez.

Por RAÚL GARCÍA SÁENZ DE URTURI


'I feel fine' es el vencedor del concurso de relatos de La Vanguardia.es sobre los Beatles. El jurado ha valorado la originalidad del cuento, una pequeña historia de amor fresca y escrita con un estilo claro y sencillo. Además, el autor ha sabido transmitir el fenómeno de masas en que se convirtió la banda y cómo su música marcó a toda una generación.

Os pongo el link donde podéis leer todos los relatos, por si os apetece echar un vistazo. Alguno de ellos merece la pena.

Yeah! yeah! yeah! (Quaranta anys després dels Beatles)

Los melenudos más famosos del momento actuaron el 3 de julio de 1965 en la Monumental con los Sirex como teloneros (entre otras bandas españolas del momento). El cuarteto había llegado al aeropuerto de El Prat donde les entregaron una monteras de torero con las que posaron ante los fotógrafos. De allí, al hotel sin demasiado baño de masas… eso lo reservaban para el concierto. Y el resultado del recital no pudo ir mejor: éxito clamoroso. Como solía pasar en sus conciertos, la crónica de la jornada destacaba los “aullidos” de las fans y el “temor constante de que se produjera un ataque de histerismo”. Ringo, John, Paul y George no defraudaron.

He escogido este post, extraído del blog de Joan Josep Isern y publicado el 3 de julio de 2005, para ilustrar lo que significó ese concierto en la sociedad barcelonesa de aquella época. Que mejor testimonio que uno en primera persona para explicar ese momento, del que después se han escrito ríos de tinta.

Avui fa quaranta anys de la primera i única actuació dels Beatles a Barcelona. Va ser a la plaça de toros Monumental i conten les cròniques que ens hi vàrem aplegar uns 12.000 espectadors. Més del doble dels que la nit anterior havien anat a la Plaza de las Ventas de Madrid. Dels de casa hi vàrem anar la meva mare, el meu germà, que aleshores tenia deu anys, i jo, que en tenia quinze (i que, per cert, vaig anar equipat amb la càmara de retratar del pare -una Régula King- amb la qual vaig fer diverses fotografies com la que podeu veure aquí i al costat). (n'hi ha més)

Hi havia diversos preus: des de 80 pessetes a dalt de tot de la graderia, fins a les cadires del "ruedo" que oscil·laven entre les 175 i les 300 pessetes segons la proximitat a l'escenari. L'economia familiar dels Isern ens va permetre arribar fins a la part baixa de la graderia, a la zona de 125 pessetes. Me'n recordo molt bé del preu perquè durant uns quants anys el meu germà i jo vàrem conservar dues de les entrades, ara ja lamentablement desaparegudes.

Potser més d'un s'estranyarà per la presència de la meva mare i d'un nen de deu anys al costat meu, que en tenia quinze, en un concert de música moderna. No entraré en detalls perquè, de fet, jo no he estat mai allò que en diuen un rebel dinamitador de costums familiars però cal tenir en compte que la major part del personal que el 1965 teníem quinze anys érem de natura més aviat tanoca, ingènua i despistada. És veritat que per aquelles mateixes dates, a l'altra banda de l'oceà, Dylan ja predicava que els temps estaven canviant però allò era Amèrica i aquí era aquí i, per tant, encara havíem de menjar moooltes sopes per fer-nos grans.

Si ara m'embranqués en una crònica detallada del concert mentiria perquè reconec que els meus records d'aquella nit són bastant vagues i es barregen amb coses que he llegit posteriorment fins a fer un poti-poti entre el viscut i l'imaginat força considerable. En tot cas enumeraré els flaixos que m'han quedat:

* El presentador de la gala va ser l'inefable Torrebruno, aleshores en el cim de la popularitat gràcies a la incipient televisió.

* El concert va tenir dues parts. A la primera hi varen actuar sis o set grups i cantants (Sírex, Shakers, Orquestra Florida...) i va durar una hora i mitja. La segona va ser íntegrament pels Beatles. Va durar una mica més de mitja hora. El temps de fer dotze cançons i guillar cap a l'hotel sense concedir cap bis.

* Un dels moments "freak" de la nit: el cantant Michel interpretant '"O sole mio" (que, per cert, també cantava l'Elvis -"It's now or never"-, però ni punt de comparació) en plan recital líric enmig dels xiulets d'una part del públic.

* A Madrid sembla que Las Ventas i els voltants estaven ocupats per la policia. Aquí no em va semblar veure'n. O si més no en quantia superior a l'habitual presència de grisos en aquella època a qualsevol lloc on s'hi aplegava gent.

* Una imatge pel record: els quatre Beatles perfectament abillats amb vestit fosc i corbata. Pocs mesos després esclataria la seva època daurada -"Rubber soul" (1965), "Revolver" (1966), "Sgt. Pepper" (1967) i el doble blanc (1968)- i el seu aspecte va canviar notablement.

* John Lennon no es va separar ni un moment del seu barret cordobès. Fins i tot va assajar de fer un "zapateado" que molts anys després hauria signat qualsevol turista alemany durant la Setmana de la Cervesa de Calella.

* La cançó estrella del single que acabaven de treure, "Ticket to ride", va ser una de les més aplaudides. Va ser la penúltima del concert (mai he entès per què varen tancar amb "Long tall Sally") i la que em va semblar que sonava millor. És a dir, igual que en el disc.

* Jo tenia un gran interès per veure com feia George Harrison aquell so distorsionat de guitarra que hi ha al començament d'"I feel fine". M'imaginava qui sap què (per aquella època les revistes musicals deien que als Beatles els fabricaven unes cordes de guitarra amb material especial i supersecret) i, en el fons, es tractava d'un simple acoblament amb l'amplificador. Això, però, no ho he sabut fins molts anys després. Aquell dia, des de la distància, no vaig poder satisfer la meva curiositat. (ara que hi penso, si el nostre fill Eloi, el guitarrista de casa, llegeix això es farà un tip de riure i pensarà "Ai, Joan, Joanet...")

* Un mot definitori: energia. Un altre: bon rotllo. Tot just sortir a l'escenari van anar per feina: endollar guitarres, reverència al públic i els primers acords de "Twist and shout" a tota màquina.

* No varen cantar, però, "She loves you" i ens vàrem quedar amb les ganes de cridar "yeah! yeah! yeah!"

Ara fa quinze anys -a propòsit, doncs, del vint-i-cinquè aniversari del concert- la revista "Cultura" em va demanar que els escrivís les meves impressions d'espectador. Com que encara tinc gran part de la biblioteca i l'arxiu per desembalar m'és impossible donar la referència exacta però sí que recordo perfectament el paràgraf final: "Passada la mitjanit, en el tramvia que ens portava cap a casa, tots tres estàvem cansats i excitats pel que acabàvem de viure. De tota manera jo ja feia càlculs amb els meus estalvis per veure quan podria anar a aquella botiga de discos que hi havia en una entrada fosca d'escala del carrer Tallers a comprar un disc amb una cançó que em tenia fascinat. Es deia "Satisfaction".

Magical Mystery Tour, 1967

Fechas de Grabación 25 Abril 1967 - 2 de Noviembre 1967
Fecha de Lanzamiento: 27 Noviembre, 1967 (US)

1967 fue un año sobresaliente en la carrera de los Beatles. Al tremendo impacto del Sgt Pepper y el lanzamiento de Strawberry Fields Forever y Penny Lane añadieron la actuación del All You Need Is Love en la primera transmisión mundial de televisión por satélite. Pero incluso con el proyecto Pepper en marcha, Paul concibió un nuevo proyecto que llevaría el talento Beatle a otros campos. La idea era comenzar un viaje por la campiña inglesa en un autobús lleno de amigos, actores y extraños personajes de todas las clases, sin un guión predeterminado. Era más que obvio que las situaciones interesantes se sucederían a lo largo de tal viaje lo que se convertiría en una gran película.

El proyecto se convirtió en un especial de 1 hora para la televisión para el que los Beatles empezaron a grabar canciones tan pronto como se hubo acabado el Pepper. Sin embargo lo que se suponía iba a ser un viaje intenso pasó a ser aburrido, y durante la mayor parte del mismo nada ocurrió. Los Beatles insistieron en dirigir, actuar, escribir el guión y la música, y también editar la música. El resultado final fue francamente decepcionante. El especial de televisión que fue emitido por la BBC fue uno de los mayores desastres comerciales de los fabs. La verdad es que la pelicula tan solo es soportable por aquellos de nosotros que disfrutamos con cualquier cosa Beatle. Pero para el espectador habitual es demasiado extranya y carece de ningun encanto.

Sin embargo la banda sonora no les falló como lo hizo la película. Magical Mystery Tour se editó como un doble EP en Gran Bretaña (6 canciones eran demasiadas para un solo EP, y demasiadas pocas para un LP). En los Estados Unidos, Capitol decidió que el formato no era el adecuado para el mercado americano y lanzo las 6 canciones junto con 5 otras que los Beatles grabaron en 1967 para completar un álbum. Tras 6 años en que importaciones de dicho LP se estuvieran vendiendo Gran Bretaña, Parlophone editó también el álbum. En la colección de CDs también se editó como álbum por lo que en esta sección lo presentamos junto al resto de LPs de los Beatles.

Musicalmente Magical Mystery Tour es una obra impresionante. Principalmente porque junto con canciones excepcionales que fueron grabadas para la película (I am the walrus, una de sus obras maestras se encuentra entre ellas), incluía dos de las mejores canciones de los Beatles (Strawberry Fields Forever/Penny Lane) y la fantástica All You Need Is Love. Así que si nos olvidamos de que todas ellas habían sido editadas anteriormente en singles, el álbum rebosa calidad Beatle. Y así lo creyeron los fans de todo el mundo que aun no se habían recuperado del shock Pepper.

CANCIONES

Magical Mistery Tour
McCartney
John:Guitarra Acústica y Voces
Paul:Piano, Bajo y Voz
George:Guitarra Solista y Voces
Ringo:Batería y Pandereta
Elgar (Gary) Howarth, Roy Copestake y John Wilbraham: Trompetas

Enrolaros, enrolaros para este excelente álbum anuncia el tema que da el título al mismo desde el momento en que los Beatles comienzan con sus excelentes armonías a cantar. Dos semanas después de que Paul volviese de los Estados Unidos (donde había pensado en el proyecto de MMT) los Beatles se encontraban en Abbey Road grabando la pista básica de la canción principal de su proyecto. La verdad es que Paul tan solo tenía la frase inicial y la melodía, y ese día debían completar la letra con frases pegadizas como las usadas en los anuncios. En Gran Bretaña, los "mistery tours" (viajes misteriosos) donde tan solo el conductor conocía el destino, eran bastante comunes. Dos días más tarde, se completó la letra.

Especialmente características de la canción son las 3 trompetas que se usan en ella. Le dan a la melodía la fuerza que necesita para convencernos a todos de ir en un viaje como ese. El arreglo vino en parte dado por uno de los trompetistas, que se cansó d el método de trabajo de Paul (normalmente tarareaba la melodía a los músicos de estudio y George Martin ayudaba)

The Fool On The Hill
McCartney
Paul: Piano, Flautas Dulces y Voz
John:Guitarra Acústica, Harmonica y Maracas
George:Guitarra Solista y Armónica
Ringo:Batería, Crótalos
Christopher Taylor, Richard Taylor, Jack Ellory: Flautas

Paul y John se encontraban escribiendo With A Little Help From My Friends cuando durante uno de los descansos, Paul empezó a tocar lo que más tarde sería The Fool On The Hill. La canción ya trataba de un hombre un tanto loco en una colina, pero la letra aun no estaba del todo clara. John le dijo a Paul que escribiera lo que ya había compuesto para que no se le olvidara, pero Paul contestó que no se le iba a olvidar la letra. Los Beatles tardaron sin embargo aun casi medio año más en empezar a grabar la canción.

El sonido más característico de la canción son las flautas que en ella aparecen. Las que van acompañando al piano y a la percusión son flautas tocadas por músicos de estudio, mientras que los solos son en realidad flautas dulces. Fue Paul el que tocó dichas flautas, y se pueden distinguir facilmente de las otras porque el sonido no es tan claro, y las notas no se mantienen facilmente y oscilan un poco. Paul aprendió a tocar la flauta dulce en casa de los Asher en Wimpole Street.


Flying
Harrison-Lennon-McCartney-Starkey
Título de Trabajo:Aerial Tour Instrumental
John:Mellotron y Voces
Paul:Varias guitarras y Voces
George:Varias guitarras y Voces
Ringo:Batería, Percusión y Voces

La primera canción instrumental publicada por EMI fue Flying. Aunque los fab ya habían intentado conseguir una pieza instrumental con el 12 Bar Original (Anthology 2) esta composición de los CUATRO Beatles fue la primera en aparecer en un disco. Otras melodías (como el "Jessie's Dream") fueron grabada para la música de fondo de la película. Sin embargo, tan solo Flying fue editada en el LP.

Los Beatles nuevamente experimentaron con las cintas al reves (seleccionadas por Ringo y George) y el aire de la canción es bastante etéreo y ligero. Aunque los cuatro Beatles utilizan las voces en el tema, puede seguir considerandose un instrumental, lo que realmente hacen es utilizar su voz como un instrumento más, y no pronuncian palabra alguna.

Blue Jay Way
Harrison
John: Pandereta
Paul:Bajo y Voces
George:Órgano Hammond y Voces
Ringo Starr:Batería
Session Musician: Violonchelo

El 1 de Agosto de 1967 George estaba en Los Angeles en una visita a California. Había alquilado un acasa en Blue Jay Way (una calle de la ciudad), y estaba esperando a Derek Taylor (el que fuera jefe de prensa de los Beatles y ahora trabaja para Apple). Taylor sin embargo se perdió y se retrasó un poco. George utilizó un órgano Hammond que había en la casa para escribir esta canción enigmática que simplemente nos cuenta la historia. Cuando Taylor llegó a Blue Jay Way, la canción ya estaba acabada. Para dar a la canción la atmósfera nebulosa que se necesitaba, la voz se pasó por un flanger con mucho ADT y se juntó conestribillos pasados al revés.

Your Mother Should Know
McCartney
John: Órgano y Voces
Paul:Bajo, Piano y Voz
George:Pandereta, Tabla y Voces
Ringo:Batería

El interés de Paul en la música de los años 20 y 30, estuvo principalmente influenciado por su padre. Jim McCartney había tenido su propia banda de Ragtime, y Paul había crecido escuchando las melodías en el piano tocado por su padre. A lo largo de la discografía de los Beatles existen varias canciones que demuestran los gustos de Paul. When I'm Sixty Four y Honey Pie son claros ejemplos.

Musicalmente, la canción es deliciosa. Tal vez carezca de un estribillo que parta en dos la maravillosa melodía, increiblemente resaltada por un piano marcado y magníficas voces por parte de los tres Beatles. Sin embargo tan solo un pequeño solo de órgano de John rompe la pequeña e inspirada melodía de la canción.

I am The Walrus
Lennon
John: Mellotron y Voz
Paul: Piano Eléctrico , Bajo y Voces
George: Pandereta y Voces
Ringo: Batería
Sidney Sax, Jack Rothstein, Ralph Elman, Andrew McGee, Jack Greene, Louis Stevens, John Jezzard y Jack Richards: Violines
Lionel Ross, Eldon Fox, Bram MArtin y Terry Weil: Cellos
Gordon Lewins: Clarinetes
Neil Sanders, Tony Tunstall y Morris Miller: Trompas
Peggie Allen, Wendy Horan, Pat Whitmore, Jill Utting, June Day, Sylvia King, Irene King, G. Mallen, Fred Lucas, Mike Redway, John O'Neill, F. Dachtler, Allan Grant, D. Griffiths, J. Smith y J. Fraser (Mike Sammes Singers): Coro

Si hay una canción que mereciera un lugar por si sola en esta sección dedicada a la creación de canciones, el Walrus sería sin duda la elegida, con algo de disputa por parte de Strawberry Fields Forever. Pocas canciones tienen una historia tan rica o tan larga preparación previa a la mezcla definitiva. El walrus en si mismo (la morsa), que fue referenciada al menos en dos canciones posteriormente por John en su carrera, venía de un poema de Lewis Carroll "The Walrus and the Carpenter" pero la letra tiene diversos orígenes. Al menos tres proyectos distintos se juntaron en el walrus, el "plice-man", el trozo sobre el "English Garden" y finalmente el que hablaba de sentarse en un corn-flake.

La letra de la canción es un constante galimatías, con palabras inventadas por John sin ningún significado en concreto pero con una gran plasticidad. John intentó demostrar al mundo finalmente que la letra tal vez no era tan importante. Estaban siendo analizados casi desde todos los puntos de vista (incluso en su antigua escuela de Quarry Bank, tal y como un alumno le contó) y I Am The Walrus se convirtió en una manera de ridiculizar a toda la gente que intentaba interpretar a los Beatles más allá de lo que ellos mismos lo hacían.

Técnicamente, I am The Walrus es un prodigio de canción. Musicalmente le deja a uno sin aliento. El hecho de que fuera grabada de nuevo usando grabadoras de 4 pistas revela la magia del personal en EMI. La pista básica del walrus, con el característico Mellotron que tocaba John (y que diferencia la mayoría de las mezclas editadas) no capturaba la esencia de la canción. La canción debía permitir imaginar a "Semolina Pilchard climbing up the Eiffel Tower" y "The Joker laughs at you" (Sardinas de Sémola escalando la torre Eiffel y al Joker riéndose de vosotros). La magnífica partitura de George Martin, con 16 instrumentos (8 violines, 4 violonchelos, 3 trompas y un clarinete) le sienta a la canción como un guante. Las voces de los 16 cantantes simplemente apareciendo como instrumentos con "uuuuuuaaaaahs" y risas, también orquestadas por Martin, presentan el marco ideal para la voz de John, simplemente de otro mundo.

Pero la canción aun no estaba terminada. John tenía que añadir su toque personal en la mezcla. Y tal y como Lewisohn revela en las Recording Sessions (de nuevo una fuente inagotable de información) la tragedia del Rey Lear de William Shakespeare era lo que iba a dárselo. Las voces y la radio siendo sintonizada fueron mezcladas directamente del tercer programa de la BBC, y las frases que pueden ser oidas en uno de los estribillos dicen "Now, good Sir (...what are you?)" y "(.. a most poor man...) made tame by fortune's (blows )". Al final de la canción un fragmento completo de la obra fue mezclado y puede oirse a intervalos con el siguiente texto:

-take my purse:
If ever thou will thrive, bury my body;
and give the letters which thou find'st about me
To Edmund Earl of Gloster; seek him out
Upon the British party:- Oh untimely death

-I know thee well: a serviceable villain;
as duteous to the vices of my mistress
As badness would desire.

-What, is he dead?

-Sit you down, father; rest you
y lo mejor de todo, es que todos estos elementos se fundieron a la perfección en una canción sin partes individuales, una obra maestra, la obra de un auténtico genio.

Hello, Goodbye
McCartney
Título de Trabajo: Hello, Hello John: Guitarra Solista, Órgano y Voces
Paul: Bajo, Piano, Bongos, Congas y Voz
George: Guitarra Solista, Pandereta y Voces
Ringo: Batería y Maracas
Ken Essex, Leo Birnbaum: Violas

Hello, Goodbye, una canción de términos opuestos, fue editada poe los Beatles el 24 de Noviembre como single, justo antes de que tanto el EP (en Gran Bretaña) y el LP (en EEUU) fueran lanzados. La canción es muy McCartney y presenta una letra simple con una melodía fantástica. Allistair Taylor que trabajó para Brian Epstein presenció una vez una demostración de Paul sobre escribir canciones, donde tenía que decir lo contrario de lo que dijera Paul. No se sabe si Paul ya tenía la idea de escribir "Hello, Hello" o si la idea nació en ese momento. El famoso "final mahori" con los hey-las-alohas (y que poresentaba a bailarinas "hawaianas" en el video promocional) no se improvisó tal y como algunos autores sugieren, y fue grabado en todas las tomas, incluyendo la primera.

Strawberry Fields Forever
Lennon
John: Guitarras y Voz
Paul: Mellotron, Bajo, Piano y Voces
George: Guitarra Solista, bongos, swordmandel, Timbales y Voces
Ringo Starr: Batería, Platos al reves
Mal Evans:Pandereta
Tony Fisher, Greg Bowen, Derek Watkins y Stanley Roderick:Trompetas
John Hall, Derek Simpson, Norman Jones: Violonchelos

Si I am The Walrus debe reclamar un lugar por si sola en esta sección, Strawberry Fields no debería ser menos. Aclamada por muchos como la mejor canción de los Beatles y votada como la mejor canción Pop de todos los tiempos, todo lo que rodea a su concepción es mágico. Antes que nada, porque Strawberry Fields Forever fue compuesta en un maravilloso y soleado país llamado España. John estaba rodando "How I Won The War" en Almería, una provincia del Sur de España, y mientras se relajaba en una playa tuvo la feliz idea de la canción. Más tarde, completó la canción en un cortijo (casa de campo típica del Sur) que había alquilado.

El título de la canción proviene de un orfanato del Ejército de Salvación que aun puede encontrarse en Liverpool hoy en día. Aunque el nombre del orfanato era en realidad Strawberry Field, lo cambió en la canción. John solía ir a fiestas de verano que se realizaban para jugar, y la canción revive algunos de esos recuerdos.

Sin embargo la mayor parte del mito de la canción proviene de su grabación. Ahora que la mayoría de vosotros ha oido varias versiones en la Anthology, la verdad es que el misterio se revela al fin. Cuando John tocó por primera vez la canción con su guitarra acústica para enseñársela al resto, era bastante simple y alejada del resultado final de cualquiera de las tomas. La verdad es que John dijo a menudo que no estaba satisfecho con la canción e incluso criticó la producción de George Martin. Sin embargo, Strawberry Fields es una obra maestra tal y como la conocemos hoy. Nadie sabe realmente los que john hubiera cambiado en la canción, y nadie sabrá nunca si la podría haber mejorado.

La canción definitiva, fue el resultado de mezclar diversas tomas. la primera fue una pista básica con los cuatro Beatles tocando y bastante más rápida que la definitiva. Sin embargo el resultado fue una versión bastante sólida y John no parecía estar tot almente de acuerdo con ella. Tras varios días volvio a George Martin y le sugirió hacer otra versión. La segunda implicaba a varios músicos de estudio tocando 4 trompetas y 3 Violonchelos, y la soberbia, magnífica, sobresaliente partitura de George Martin (¿Cuántas canciones huibieran estopeado otros productores?) Ringo tocó la batería, y John interpretó de nuevo magnificamente la canción. Y sin embargo, John aun tenía dudas. Le gustaban ambas versiones, y quizá no prefería ninguna lo suficiente. Pero su idea ue mezclarlas juntas, empezando con una y acabando con la otra. Le preguntó a Martin si eso era posible... dificilmente le podía decir George Martin que lo era. Ambas tomas estaban a diferentes velocidades (lo que hubiera sido evidente de inmediato en la remezcla), y aun peor, las tonalidades eran distintas. En este punto, cada uno de los autores destaca la genialidad de George Martin al juntarlas... pero pocos comentan la suerte. Y es que de hecho tuvieron mucha suerte, ya que al ralentizar una de las versiones y acelerar la otra, no solo se consiguió que la velocidad fuera la misma, sino que ADEMÁS la tonalidad pasó a ser la misma.

El otro mito de Strawberry Fields, murió con el lanzamiento de la Anthology 2. Después de que la canción parezca haber terminado, la música vuelve con una batería contundente de Ringo, platos al revés y una voz murmurando lo que muchos afirmaron que era "I buried Paul". Por supuesto que esto alimentaba la historia falsa de que Paul McCartney había muerto en un accidente de coche. Dado que la voz es bastante distante, lo que realmente dice no es distinguible. Sin embargo, la gente de Apple se aseguró en la remezcla del Anthology, que la voz se oyera claramente esta vez, y era John diciendo en repetidas ocasiones "cranberry sauce". Por último, hay que destacar que es Jeff Rusell el que indica que parece haber un mensaje morse en la canción al comienzo justamente detrás de "Let me take you down..." Las letras que aparentemente lo componen son JL (si alguien sabe morse y puede confirmar este extremo estariamos encantados. El problema es anotar los puntos y las rayas).


Penny Lane
McCartney
Título de Trabajo: Untitled
John: 2 Pianos, Guitarra Rítmica, Congas y Voces
Paul:Bajo, 3 Pianos, Armonio, Pandereta y Voz
George: Guitarra Solista y Voces
Ringo:Batería
George Martin: Piano
Ray Swinfield, P. Goody, Manny Winters y Dennis Walton: 4 Flautas y 2 piccolos
Leon Calvert, Freddy Clayton, Bert Courtley y Duncan Campbell: 4 Trompetas y un Flügelhorn
Dick Morgan y Mike Winfield: Oboe y Trompa Inglesa
Frank Clarke: Contrabajo David Mason: Solo de Trompeta Piccolo

Penny Lane es ahora probablemente una de las calles más famosas de Liverpool. Sin embargo, para Paul no era más que una zona, llena de memorias y de nostalgia. La canción fue la contribución de Paul a un single de lo más Liverpudliano que los Beatles se disponían a sacar. El doble cara A "Strawberry Fields Forever-Penny Lane" (lanzado antes del Sgt. Pepper). Muchas de las cosas mencionadas en la canción han cambiado, y muchos de los personajes descritos por Paul no eran ni siquiera reales. Pero por supuesto había mucha verdad en forma de impresiones y memorias en el barbero, la enfermera, el bombero y el banquero.
Tecnicamente, Penny Lane también fue bastante exigente. Hasta 6 pianos fueron usados, grabados a diferentes velocidades e incluso pasados a través de un amplificador Vox de guitarra eléctrica para conseguir el estilo marcado y casi metálico que identifica a la canción. Casi ninguno de los instrumentos de la canción se grabó a velocidad normal, excepto la sección brillantemente orquestada por George Martin. El solo de trompeta fue el resultado de que a Paul le impresionara el concierto de Brandenburgo Nº 2 (J.S. Bach). Vio a David Mason tocandolo, y decidió que Penny Lane debía tener las mismas notas agudas en la canción. Las notas que debían ser tocadas fueron decididas por Mason, Martin y McCartney, como se hacía a menudo con los músicos de estudio. Al final de la canción Mason tocó varias notas más. Estas no fueron incluidas en el single que salió a la venta, pero si en las copias promocionales que se dieron a la radio.... lo que las hizo bastante valiosas.

Baby You're a Rich Man
Lennon-McCartney
John: Claviolin, Piano y Voz
Paul: Bajo, Piano y Voces
George: Guitarra Solista, Palmas y Voces
Ringo:Batería, Pandereta y Palmas
Eddie Krammer: Vibraphone

Una vez más los talentos de John y Paul se unieron para crear una sola canción. Baby You're a Rich Man era originalmente una canción inacabada de McCartney, mientras que John tenía su "One of the Beautiful People". Combinando ambas, los Beatles grabaron en los estudios Olympic, en practicamente 6 horas (la primera vez que una canción se completaba fuera de Abbey Road). El tema debía ser incluido en principio en el proyecto Yellow Submarine. Sin embargo, pronto se incluyó en el single de All You Need is Love y no apareció en la banda sonora de yellow Submarine. De todas maneras, la canción apareció en la película, donde John canta "how does it feel to be one of the beautiful people".
One of the Beautiful People, era una canción escrita por John refiriéndose a la nueva generación de hippies que tenía una manera de pensar positiva hacia la vida. Todo era bonito (beautiful) en un sentido o en otro, y tal y como Paul dijo en una entrevista "todo es fantástico y no hay nada malo si lo puedo considerar fantástico". La otra canción Baby You're a Rich Man, era en realidad sobre Brian Epstein y el sentido de la letra según John era claro: "deja de protestar, eres un hombre rico..." En una versión de demostración de la canción John incluso llegó a cantar "baby you're a rich fag jew" (baby eres un marica judío rico)

All You Need Is Love
Lennon
John: Clavicordio, Banjo y Voz
Paul: Contrabajo, Bajo y Voces
George: Violin, Guitarra Solista y Voces
Ringo:Batería
George Martin: Piano
Mick Jaegger, Keith Richard, Marianne Faithful, Keith Moon, Eric Clapton, Pattie Harrison, Jane Asher, Mike McCartney, Graham Nash y wife, Gary Leeds y Hunter Davies: Voces
4 violines, 2 Violonchelos, 2 saxofones, 2 trombones, 1 acordeón, 2 trompetas (ver las Recording Sessions de Lewisohn para más detalles)

Tenía que ser de esa manera. La BBC afrontaba la retransmisión de Nuestro Mundo, el primer enlace mundial de televisión, con 26 países participantes, y tenía que presentar un número. La elección evidente era los Beatles. Cualquier otro grupo hubiera estado preparando el evento durante meses, sin embargo John compuso la canción poco antes de que hubiera que grabarla. Tan solo 10 días antes de la retransmisión (25 de Junio de 1967) los Beatles empezaron a grabar la pista básica de la canción. El resto debía de tocarse en directo en frente de las camaras en el estudio Uno de Abbey Road, de tal manera que pareciese que los Beatles estaban grabando una nueva canción y eran sorprendidos por las cámaras.
Los Beatles se vistieron de la manera más colorida posible para difundir el mensaje de amor al mundo. La voz, el bajo de Paul, el solo de George y la batería de Ringo fueron grabados en directo junto con la orquesta de 13 músicos. Todo fue directamente a la 4 pistas junto con el resto de pistas grabadas con anterioridad. Geoff Emerick y George Martin debían de mezclarlo EN DIRECTO para retransmitirlo a todo el mundo. El mensaje debía ser simple para que el mundo lo entendiera, y Lennon nuevamente acertó plenamente. Fue él, el que produjo un himno para el verano del amor, con tan solo cuatro letras en mente: amor. Varios fragmentos de música conocidos fueron tocados por la orquesta durante la canción: La Marsellesa (himno francés), Greensleaves, She Loves You y In The Mood -En Forma-(Glenn Miller). La inclusión de esta última canción, que aun tenía Copyright forzó a EMI a firmar un acuerdo de royalties.

En el final de la canción participó todo el mundo, incluidos algunos de los amigos de los Beatles que cantaban que el amor era todo lo que necesitabamos. Una vez hubo terminado la transmisión, los Beatles permanecieron en el estudio para darle a la canción los últimos retoques. John regrabó parte de la voz, y Ringo añadió el redoble de tambor que da comienzo a la canción. En menos de dos semanas el single había salido (Baby You're a Rich Man en la cara B) y los Beatles habían vuelto a marcar un hito en la historia de la música.

Gracias al maestro Cabrera